http://www.schmuckmuseum-pforzheim.de/flash/SMP.html

Im Rahmen des Festivals »Mix versteh’n« des Kulturamtes der Stadt Pforzheim

Ornamentale Gestaltungsformen gehören zu den frühesten Zeichen menschlichen Kulturschaffens. Angefangen mit einfachen Ritzungen auf Fundstücken über in sich verschlungene Linien bis hin zu barockem Überschwang sind Ornamente auch im Schmuck zu finden. Sie sind ein welt- und kulturenüberspannendes Phänomen, an dem sich bei aller Verschiedenartigkeit ähnliche Muster entdecken lassen. Die Ausstellung zeigt die Vielfalt ornamentaler Ausdrucksformen im Schmuck aus dem abendländisch-europäischen Raum bis zum Formenreichtum im Orient. Es werden die verbindenden Elemente der Ornamentik untersucht, die in allen Kulturen und Epochen auftauchen und sich zu einer »Weltsprache Ornament« zusammenfügen.

Rund 120 Schmuckstücke aus den Sammlungen des Schmuckmuseums Pforzheim sind zu sehen. Einen Schwerpunkt bildet dabei der Schmuck des 19. Jahrhunderts. Die Schau ist der Ausstellungsbeitrag des Schmuckmuseums zum Festival »Mix versteh’n« des Kulturamtes der Stadt Pforzheim.

Unter dem Aspekt der ornamentalen Gestaltung bietet sich so ein neuer Blick auf ausgewählte Preziosen der Sammlung, besonders als mit dem aufkommenden Historismus die Vielfalt der Ornamente im Schmuck ihren Höhepunkt fand. Aber auch in Epochen wie dem Art Déco, die auf den ersten Blick nicht sehr ornamentreich scheinen, finden sich Oberflächen voller Formenreichtum.

Am Beginn des 20. Jahrhunderts steht die Auseinandersetzung und zum Teil vehemente Ablehnung von ornamentalen Überformungen. Hier nimmt der oft zitierte Adolf Loos mit seiner wütenden Streitschrift »Ornament und Verbrechen« eine Schlüsselposition ein, die bis heute weiter wirkt und ohne die weder das Bauhaus noch das »form-follows-function«-Design der letzen fünf Jahrzehnte denkbar wären. Während es in der Anwendung von Ornamentik in der Gestaltung eine Art Wellenbewegung gibt, finden sich auch im Schmuck in ornamentarmen Zeiten immer wieder neue Ansätze zu ornamentalen Verzierungen. Von antiken Schmuckstücken mit geometrischer Flächenornamentik über gotische Elemente oder die Pflanzenornamentik der Renaissance, über Zitate der mittelalterlichen Buchmalerei im Historismus bis hin zur jüngsten zeitgenössischen Schmuckkunst ziehen die Ranken und Mäander der Ornamentik im Schmuck. Reihung und Rhythmisierung, Verdichtung und Überhöhung sind Kennzeichen der ornamentalen Kunst im Schmuck, die sich auf alle Kulturen gleichermaßen anwenden lassen und damit ein wahrhaft globales Phänomen beschrieben.

Das Ornament ist ab Dezember und Januar Anlass für zwei weitere Ausstellungen in Pforzheim. Sie richten den Fokus auf das Ornament in Kunst und Design. Der Kunstverein Pforzheim zeigt »Ornamentale Strukturen« (16. Dezember 2012 bis 3. März 2013), und die Pforzheim Galerie widmet dem Thema eine Schau in der Reihe Design-Positionen.

Ort der Ausstellung:
Schmuckmuseum Pforzheim im Reuchlinhaus, Pforzheim

http://www.kh-do.de/de/Ausstellungen/ausstellungen2011/ornament.html

http://www.art-magazin.de/architektur/9795/ornament_2008_basel?p=1

http://www.youtube.com/watch?v=0olnTAuOFxs

http://www.art-magazin.de/kunst/14406/macht_des_ornaments_belvedere_wien

http://www.geschkult.fu-berlin.de/e/kosmos_ornatus/index.html

Kunsthistorisches Institut der Freien Universität Berlin

Die Emmy Noether-Nachwuchsgruppe hat das Ziel, im Vergleich einer islamischen und einer christlichen Bildkultur – der persischen und französischen – zu untersuchen, welche Funktion Ornamente haben können. Damit arbeitet sie der Tradition entgegen, Figur und Ornament und mithin eine figurative christliche und eine ornamentale islamische Bildkultur als Oppositionen zu betrachten. Stattdessen verortet sie persische und nordeuropäische Bildkulturen in gemeinsamen Traditionen, beispielsweise jüdischer oder griechischer Überlieferungen, und beobachtet, wie diese Traditionen in beiden Kontexten transformiert und zwischen ihnen transferiert werden.

Die Frage nach der Funktion von Ornamenten widerspricht zugleich der traditionellen Annahme einer Zweckfreiheit von Ornamenten: Die Gruppe geht davon aus, dass ein einfacher Schmuck-Begriff zu kurz greift, sondern Ornamente vielmehr im Sinne des griechischen Begriff des "Kosmos" zugleich als Darstellung von Ordnung anzusehen sind. In dieser Perspektive wird deutlich, dass Ornamente Bilder, Räume aber auch soziale Zusammenhänge strukturieren können. Annahmen einer universellen Funktion von Ornamenten oder „des“ islamischen Ornaments werden somit durch Analysen verschiedener Funktionen in bestimmten Kontexten und ihrer Veränderung im Prozess des Transfers widerlegt.

Das Netzwerk "Ornament: Motiv – Modus – Bild" ist ein Kooperationsprojekt von NFS Bildkritik - eikones, der Emmy Noether-Nachwuchsgruppe "Kosmos/Ornatus" und externen Kooperationspartnern (EHESS Paris, Kunsthistorisches Institut Florenz/MPI, Ruhr-Universität Bochum, UdK Berlin, Universität Köln)


Abstrakt:

Ornamente weisen Bilder als Ordnungen des Sichtbaren aus. An ihnen wird deutlich, dass Bilder nicht nur etwas abbilden, sondern Sichtbarkeit strukturieren. So können Ornamente als Ausweis eines Potentials von Bildern begriffen werden, das nicht primär in ihrer abbildenden Kapazität liegt. Dieser Ansatz knüpft an jüngere Debatten an, die dem Ornament als Parergon eine dezidierte Wirkmacht zuschrieben. Im Unterschied zu solchen rhetorisch orientierten Ansätzen soll dabei die spezifisch visuelle Qualität verschiedener historischer Ornamentformen in den Blick gerückt werden.

So wird das Ornament nicht mehr nur als Dekor verstanden und bleibt nicht bloss funktionsloser Gegenstand einer Stilgeschichte. Vielmehr wird es als bildliche Struktur begreifbar, die auf eigene Weise Sinn generiert. Unabhängig vom Abbild untersucht das Netzwerk das Ornament in seinen unterschiedlichen historischen und kulturellen Artikulationsformen auf seine eigene bildliche Funktion. So können Ornamente als Modus verstanden werden, der im Spannungsfeld von Motiv und Bild steht.



Leitung: Vera Beyer (Emmy Noether-Nachwuchsgruppe „Kosmos/Ornatus“, FU Berlin) und Christian Spies (eikones, Universität Basel)

Mitglieder: Kristin Böse (Universität Köln), Martina Dobbe (UdK Berlin), Kathrin Müller (KHI Florenz/MPI), Maddalena Parise (EHESS, Paris), Beate Söntgen (Ruhr-Universität Bochum)

Das Netzwerk besteht seit August 2006 und trifft sich jährlich zu zwei Arbeitstreffen. Bislang haben stattgefunden:

Insignifikantes Ornament? – 24./25. August 2006, NFS Bildkritik – eikones, Basel

Ornament/Ornamentales/Bild – 2./3.März 2007, Ruhr-Universität Bochum

Fläche/Ornament/Raum – 13.-16. September 2007, Kunsthistorisches Institut – Max-Planck-Institut, Florenz

Ornament: Struktur oder Parergon? – 4.-6. April 2008, École des Hautes Études en Sciences Sociales, Paris

»Ornament, Medium und Stil – Diskurse und Texturen« – 3. - 5. April 2009, Berlin.

Ornamentale Schriftzüge zwischen Semantik und Ikonizität – 26.-27. Februar 2010, Köln.

sowie die Tagung: Tagung: Ornament: Motiv – Modus – Bild, 18.-20. September 2008, eikones, Basel

http://eikones.ch/projekte/cluster-2.html?tx_cheikonesproject_pi1[module]=4&cHash=d4a8d30b773fba036cc5320a73f68bbf

Alina Payne is Professor of History of Art and Architecture at Harvard University. She was trained as an architect (BArch, McGill University) and received MA and PhD degrees in art/architecture history (University of Toronto). She is the author of The Architectural Treatise in the Italian Renaissance (Cambridge University Press, 1999; Hitchcock Prize, 2000), Rudolf Wittkower (Bollati Boringhieri editore, 2011), From Ornament to Object. Genealogies of Architectural Modernism (Yale University Press, forthcoming 2012), The Telescope and the Compass. Teofilo Gallaccini and the Dialogue between Architecture and Science in the Age of Galileo (Leo Olschki, 2011); editor of Displacements. Architecture and the Other Side of the Known (2000) and co-editor of Antiquity and Its Interpreters (2000). She is currently researching her next book on Renaissance architecture and materiality and preparing edited volumes on Vision and Its Instruments, Portable Archaeology and the Poetics of Influence: Croatia and the Mediterranean, and Urban Artefacts: Triumphal Arches and the paragone between the Arts. She has published numerous articles on Renaissance and modern architecture, on historiography and artistic theory. Most recently she was awarded the Max Planck and Alexander von Humboldt Prize in the Humanities (2006).

Alina Payne teaches courses on Early Modern and Modern European architecture. She has taught at Oberlin College and University of Toronto and she has held visiting appointments at the GSD, Harvard University, Villa I Tatti, Florence, Kunsthistorisches/ Max Planck Institut Florence, École Pratique des Hautes Etudes, Paris and Hertziana/ Max Planck Institute, Rome. She has served on the Board of Directors of the Society of Architectural Historians and as Book Review Editor of the Journal of the Society of Architectural Historians and serves currently on the editorial boards of several international journals (Res. Journal of Aesthetics and Anthropology, Journal of Historiography) and on several international juries.

From Ornament to Object Genealogies of Architectural Modernism Alina Payne

Publication date: 31 Jul 2012
ISBN:9780300175332
Dimensions:336 pages: 254 x 178mm
Illustrations:62 colour images + 108 black-&-white illustrations

In the late 19th century, an enduring preference for highly ornamented architecture gave way to a budding Modernism of clean lines and unadorned surfaces. At the same moment, everyday objects - cups, saucers, chairs, and tables - began to receive critical attention. Alina Payne addresses this shift, arguing for a new understanding of the genealogy of architectural modernism. Rather than the well-known story in which an absorption of technology and mass production created a radical aesthetic that broke decisively with the past, Payne argues for a more gradual shift, as the eloquence of architectural ornamentation was taken on by objects of daily use. As she demonstrates, the work of Adolf Loos and Le Corbusier should be seen as the culmination of a conversation about ornament dating as far back as the Renaissance. Payne looks beyond the usual suspects of philosophy and science to establish theoretical catalysts for the shift from ornament to object in the varied fields of anthropology and ethnology; art history and the museum; and, archaeology and psychology.

The World of Ornament
David Batterham

Release Date: October 2009
Publisher. Taschen Verlag
ISBN:978-3836510264
Language: English, French, German
Features: 528 Pages, full color, hardcover, Slipcase and Image
Format: 39,8 x 26,6 x 5,8 cm

A compendium of history's most elegant and beautiful patterns and ornamental designs at your fingertips—for perusal or download anytime, in high-resolution format. World of Ornament brings together the two greatest encyclopedic collections of ornament of the 19th century: Racinet's L'Ornement polychrome Volumes I and II (1875-1888) and Dupont-Auberville's L'Ornement des tissus (1877). Adapted from historical items dating from antiquity, including jewelry, tiles, stained glass, illuminated manuscripts, textiles and ceramics, these ornamental designs encompass a wide range of cultural and esthetic motifs and patterns—including classical Egyptian, Greek, Roman, Etruscan, Asian and middle-Eastern, as well as European designs from medieval times through the 19th century.

San Francisco illustrator and fine artist Lisa Congdon was raised in both upstate New York and Northern California where she grew to love the trees and animals that surrounded her. That love is now expressed most intensely through her colorful and imaginative paintings, drawings and three-dimensional collages. Congdon’s vast catalog of work is primarily themed around her passion for nature, vintage imagery, geometrics and folk pattern.









http://lisacongdon.com/index.html
http://www.etsy.com/shop/lisacongdon

http://isites.harvard.edu/icb/icb.do?keyword=k83922&tabgroupid=icb.tabgroup136410

About the Conference

Interest in ornament has grown by leaps and bounds in the last ten years or so—among artists, architects, theorists, critics and historians, among literary figures and musicians. This interest—both among scholars and among artists—is not entirely new, as at various times in history ornament has attracted intense attention. Indeed, the story of ornament has followed what amounts to a sinus curve of highs and lows—never interrupted or broken, even if from being identified as the critical signifier of identity in a culture, ornament was also demonized in the 20th century as an all too facile link to a past increasingly irrelevant to the present. Various kinds of publications have accompanied this undulating movement throughout history. Some have been thematic, some have been educational, some have been directed at craftsmen others at theoreticians and architects, some were intended for pleasure others for reflection.

The recent rise in interest in ornament has generated publications in many fields and from many perspectives, from literary studies at one end (in which scale /miniature took center stage) to gender studies at the other, which drew attention to women’s art and aesthetic having been unjustly removed from the center of discourse for being “fussy”, too delicate or privileging the minor arts (a pejorative term in and by itself) such as weaving, pottery or embroidery. More centrally, work on the applied arts and the movements associated with them has turned the spotlight once again on figures such as architect/theorist Gottfried Semper, on Islamic art as paradigmatic for an ornament saturated approach, to the arts of métissage between Europe and the Latin American continent, but also to moments and movements in modern art such as the Arts and Crafts, the Bauhaus, or Alois Riegl’s Stilfragen when ornament became significant for opening new ways of thinking. Most symptomatic of a current renewed interest has been the recent work of practicing architects such as Jean Nouvel, Farshid Moussavi and Herzog and De Meuron, who have re-engaged with ornament in their buildings and in their written work. The current rise of ornament assumes that in a multi-cultural and increasingly cosmopolitan global society, symbolic communication is difficult because of the absence of a common visual tradition. Hence the former emphasis on codified languages of ornament is being replaced with new strategies privileging direct sensations capable of generating an unlimited number of resonances. This tendency to reject cultural context and the utopia of universal visual communication through affect and sensation overlooks the complexity of communication and reception over the centuries and across different geographies. It is precisely this issue that our conference aims to address.

The two and a half day conference will consider recent trends in relation to historical precedents, characterized by differing balances between “global” and “local” elements. The aim is not to present a comprehensive survey of ornament in world cultures, but rather thematic sessions on the “rise of ornament” in diverse periods and geographies in multiple media, focusing on historiographic problems addressed through specific case studies. A major theme of the conference is the relationship between dissemination and portability. What connects globalism and localism are the artefacts that circulate as a result of movement, that are portable and capable of endless adaptation, of inserting and re-inserting themselves in the most varied contexts and media.

This event aims to develop a new conceptual framework and open a dialogue between different fields of specialization in the arts and architecture, intersecting with the subject of ornament. It will begin with an evening session, “Ornament in Contemporary Architectural Practice and the Museum”, dealing with the relationship between ornament and parametricism and the return to ornament especially in buildings related to the arts such as museums. The next two days of the conference will be organized around such themes as: “Medieval Global”, “Early Modern Global”, “Figural Ornament”, “Portable Ornament: Objects, Collecting, Commerce”, “Design Sophistication and Aesthetic Theories”, and “Modernist Abstraction and Internationalism”. We hope that the questions arising from these sessions will help us explore how ornament functions as cultural glue, as well as an engine that ignites artistic imagination, and to explain its perennial fascination.


Session I Contemporaneity of Ornament in Architecture

- Antoine Picon (Harvard) – Ornament, Subjectivity, and Politics
- Spyros Papapetros (Princeton) – Politics, Parametrics, and Parabolic Forms: From Modern Ornaments to Ancient Projectiles
- Vittoria Di Palma (Columbia) – A Natural History of Ornament
Hashim Sarkis (Harvard) – Inscription: On the Surface of Exchange Between Writing, Ornament, and Tectonic in Contemporary Architecture

Session II: Medieval Mediations across the Mediterranean and
Beyond

- Gerhard Wolf (KHI, Florence) – Vesting Walls, Displaying Structure, Crossing Cultures: Dynamics of Architectonic Ornaments between Byzantium and Central Asia (6th to 10th century)
- Cynthia Robinson (Cornell) – Iberia and the Mediterranean: The Predicament of Mudéjar
- Michele Bacci (Université de Fribourg) – Gothic-Framed Icons:
Perceptions and Uses of Italianate Ornaments in the Levant during the Late Middle Ages
- Marco Nobile (Università di Palermo) – “This is Babel”: Sicily, the Mediterranean Islands and Southern Italy (1450-1550)

Session III: Early Modern Global Affinities


- Gülru Necipoğlu (Harvard) – Early Modern Floral: Ottoman Ornament between Naturalism and Mimetic Abstraction
- Daniela del Pesco (Università degli Studi dell'Aquila) – Modes and Itineraries of Marble Decoration in Baroque Naples Between 1500 and 1600
- Christopher Heuer (Princeton) – Ornamental Defacement
Chanchal Dadlani (Wake Forest) – Promiscuous Marble: Mughal
Architectural Ornament in the Eighteenth Century

Session IV: Figural Design between Ornament and
Representation

- Oya Pancaroğlu (Boğaziçi University, Istanbul) – Perfect Figure, or the Human Accessory to Universal Design
- Anne Dunlop (Tulane) – Ornament and Vice: the Coccarelli Fragments
- Thomas B.F. Cummins (Harvard) – The Gilded Body and Brilliant Wall David Pullins (Harvard) – Figures Designed for Circulation

Session V: Circulation and Translations of Portable Ornament

- Avinoam Shalem (LMU, Munich) – The Poetics of Portability
- Alina Payne (Harvard) – Wrapped in Fabric: Florentine Facades, Mediterranean Textiles and A-Tectonic Ornament in the Renaissance
- Anna Contadini (SOAS, London) – Creative Adaptation: Ornament between Renaissance Italy and the Islamic Middle East
- Jennifer L. Roberts (Harvard) – The Currency of Ornament

Session VI: Ornamental Design between Theory and Praxis

- Jonathan Hay (NYU) – The Passage of the Other Finbarr Barry Flood (NYU) – The Flaw in the Carpet: Disjunctive
Continuities and Riegl's Arabesque
- Marzia Faietti (Uffizi, Florence) – Variety and Metamorphosis: Form and Meaning in the Ornament of Amico Aspertini
- David J. Roxburgh (Harvard) – ‘Give us light in our eyes’:
Architectural Epigraphy and the Illuminated Building in Timurid Iran and Central Asia, 1370-1430

Session VII: Internationalism of Ornament and Modernist
Abstraction

- Rémi Labrusse (Université de Paris Ouest Nanterre La Défense) Grammars of Ornament: Between Dematerialization and Embodiment
- Suzanne Blier (Harvard) – Ornament and Performativity: African Modernist Architecture and Internationalism
- Dario Gamboni (Université de Genève) – Natural Ornament, Abstraction and Genemorphism in Early Modernist Art and Architecture
- Robin Schuldenfrei (Humboldt University, Berlin) – Sober Ornament: Materiality and Luxury in German Modern Architecture and Design